Tenir la vibration

ISBN : 978-2-38113-112-2 – 56 pages –  Couverture, dos carré collé – Dimensions : 14,8 cm x 21 cm – Date de parution : 2 avril 2026

Ce livre ne parle pas de la musique.
Il s’écrit depuis l’endroit où elle devient vitale.
Tenir la vibration est un recueil de méditations où l’écoute engage le corps entier. Non pour comprendre, ni pour expliquer, mais pour demeurer — dans ce qui tremble, insiste, se retire parfois. La mer, le piano, certaines œuvres, certaines figures traversées par la faille ne sont jamais des objets de discours : elles sont des expériences de tenue, des manières de rester debout sans surplomb, sans promesse, sans réparation.
L’écriture avance par reprises, par frottements, par silences consentis. Elle refuse l’emphase comme la consolation. Elle cherche une justesse plus exigeante : celle qui accepte de ne pas résoudre, de ne pas sauver, mais de maintenir une présence exacte au bord de ce qui vacille.
Tenir la vibration n’offre ni message ni apaisement. Il propose une posture intérieure. Celle d’une fidélité à l’écoute, même lorsque l’élan se retire, même lorsque le son s’éteint, même lorsque rester devient la seule forme de courage.

Ce nouvel opus de l’auteure offre un témoignage bouleversant et méditatif sur le lien d’amour qu’exerce la musique mise en jeu dans l’intimité d’un partage d’émotions, pour tenter de tenir« malgré la faille » la vibration qui persiste à travers tout son corps, en résonnant au plus près des battements de son cœur : « une contrainte vitale qui l’oblige à ralentir, à reprendre, à consentir à l’inachevé / comme la mer » au rythme des marées, quand « l’écoute devient une forme de fidélité ». La musique est avant tout « cette mémoire première d’une pulsation, d’un souffle qui s’accorde au souffle d’un autre, réveillant en nous ce qui n’a jamais eu besoin de mots ». Avec humilité, « elle relie le dehors et le dedans, le visible et l’invisible », cette compagne de la douleur « qui ne cherche pas à convaincre, mais parfois nous élève à travers elle ». Elle permet de traverser la durée en l’habitant, « ce temps transfiguré qui dilate, replie, étire, suspend les secondes, dans la répétition vivante que transforme chaque passage / jusqu’à la dernière note qui continue de vivre en nous comme une braise ». À l’instar des prières, « une manière de respirer, tomber, se relever, s’incliner devant le mystère avec parfois une douceur qui ressemble à une bénédiction ». Le piano devient alors cet « organe sensible qui laisse la mer respirer à travers moi / dans un instant suspendu / où chaque note est une offrande toute en nuance, dans une sorte de rituel secret / et dans la confidence d’un dialogue silencieux auquel s’accorder ». Ce même dialogue s’établit avec de grands compositeurs aux noms prestigieux : Chopin lui fait accéder à « cette intensité sans éclat d’une relation élégante et noble, d’une cohabitation sans théâtre », lui proposant de « s’ajuster, trouver l’inflexion juste avec obstination, dans une éthique du toucher, une discipline intérieure par instinct de survie ». La musique n’a pas besoin de mots pour « organiser l’indicible », elle génère à la fois la répétition d’une « émotion juste » et la variation « d’une pensée vraie » tout en maintenant ensemble « des forces contradictoires par sa vibration qui peut apaiser mais aussi mettre à nu / dans un risque consenti… ». Si Bach s’impose par « son hospitalité et par une rigueur qui peut faire preuve de miséricorde », elle partage avec Beethoven, qui « se bat contre la disparition avec le courage d’écrire depuis la perte, une chambre commune, pour rester au plus près de ce qui vacille ». Schumann concrétise quant à lui, « la folie habitée ou le génie à l’écoute de sa propre musique / qui laisse vivre ensemble l’élan et la retenue, l’exaltation et l’effacement dans une juxtaposition / un excès de présence » jusqu’à devenir presque « hypnotique » dans ses œuvres tardives, relevant« une forme de mystique sans dogme / d’un être qui a laissé la musique aller aussi loin que lui ». Avec Debussy, elle puise entre autres, dans le mythe d’Orphée et d’Eurydice, cette révélation admirable de « l’acte inaugural d’un poète / confiant l’aimée à l’absence, la livrant à l’intouchable », devenue « vibration pure, matrice invisible où toute poésie prend racine… / quand le retournement devient l’instant où l’amour abdique pour devenir œuvre / la naissance d’un chant qui se tient au bord de ce qui s’éteint pour offrir une éternité de souffle / chaque poème tombeau… une résurrection où l’absence se met à résonner, dans une fidélité à l’impossible… ». Elle rappelle à plusieurs reprises que la musique n’est pas une consolation ni une résolution, mais qu’elle apprend à « laisser passer la douleur et rendre le chagrin respirable » : une manière de ne pas renoncer sans rien affirmer « pour survivre dans le silence qui la porte ». Le piano face à la mer « respire sous ses doigts », pose chaque note « d’une respiration rendue au large » sans jugement ni interruption, mais un « recueillement sacré où la solitude se transforme en lumière et la mémoire en présence », tandis que ses chats demeurent les « gardiens silencieux de l’invisible ». Avec l’exigence de « l’exactitude », la musique « habite la faille sans la trahir » pour tenir la vibration « quand il n’y a plus rien à faire durer… ».

En espérant avoir été fidèle à son écoute, chaque lecture de Catherine donne le sentiment de partager avec elle, dans une communion, ces instants précieux de sa manière d’être au monde pour subsister, en recevant le privilège de ses confidences…

Yolaine BLANCHARD

yolaine.blanchard21@gmail.com